I, Frankenstein (2014) - 4/6

I, Frankenstein börjar där boken Frankenstein slutar: med att doktorn (Aden Young) är död och monstret (Aaron Eckhart) ensamt. När monstret begraver sin skapare attackeras det av demoner men räddas av gargoyler, flygande stenvarelser.

Det visar sig att Jorden är skådeplats för ett uråldrigt krig mellan demoner och gargoyler, medlemmar av en av ärkeängeln Mikael instiftad orden för att skydda mänskligheten mot demonerna. Monstret förs inför deras drottning Lenore (Miranda Otto) och främste krigare Gideon (Jai Courtney). Drottningen ger honom namnet Adam och erbjuder honom att ansluta sig till dem, men Adam vägrar och ger sig ut på vandring i världen.

Tvåhundra år senare har Adam varit konstant jagad av demonerna men hållit sig undan, när hans och gargoylernas vägar korsas igen. Miljardären Charles Wessex (Bill Nighy) utför med hjälp av forskaren Terra Wade (Yvonne Strahovski) experiment med återupplivning, och vill väldigt gärna lägga tassarna på Adam - han är ju ett konkret exempel på ett lyckat sådant experiment. Både Adam och gargoylerna vill undvika det.

Nä, historien spelar ingen större roll. Visst, Eckharts prestation gör faktiskt Adam till en riktig karaktär som det går att bry sig om, och detta är ingen genomkorkad actionfilm. Den är precis klipsk nog att det inte kommer några hinder i vägen för att njuta av det visuella och de häftiga actionscenerna.

Det visuella först. Några designers har haft riktigt roligt medan de gjorde I, Frankenstein. Gargoylerna och demonerna har byggt hisnande strukturer; drottning Lenore bor i en blandning av katedral och citadell (som på något sätt verkar ligga på bekvämt gångavstånd från ett modernt stadscentrum) och Wessex har sina egna baser med innehåll vi inte väntar oss. Flammande demonsjälar slungas ner till helvetet och återvänder, demoner och gargoyler skiftar mellan människo- och monsterform, och det ser fantastiskt ut, alltihop.

Så actionscenerna. I, Frankenstein undviker millisekundklippfällan som nutid action är alldeles för förtjust i att ramla ner i och producerar i stället spännande och tilltalande strider, hjälpt av hur olika kombattanterna är. Adam själv är i princip en biffig, tuff, snabb människa, medan demonerna och gargoylerna är flygande monster. Detta är snyggt.

I, Frankenstein levererar precis det man kan vänta sig av en film med det här konceptet. Varken mer eller mindre. Eckhart och Nighy gör till och med att det kanske blir lite grann mer, ändå.

The General (1926) - 5/6

Stjärnor skapas eller dör obemärkt beroende på tiden de råkar födas i. Sarah Bernhardt var sin tids största därför att hon kunde agera både för första och trettionde raden samtidigt. Greta Garbo följde henne därför att hon förstod hur man skulle göra när man stod nära en kamera i stället för långt ifrån publiken. Och där emellan fanns människor som stumfilmslegenden Buster Keaton, som kunde kommunicera mer med ett orörligt stenansikte än de flesta kan med flaxande armar och tio minuter dialog.

Det är fascinerande, faktiskt. Det är som när Danny Kaye i The Inspector General inte kan få upp svärdet ur skidan och förvandlar det magra skämtet till något genialiskt. Keaton kan sitta still på ett tågs länkarm och få oss att skratta när tåget börjar rulla.

För oss barn av CGI-åldern tillkommer en extra dimension, för allt det här är dessutom på riktigt. När broar rasar, då är det för att kameran var riktad mot en bro som faktiskt rasade. När tåg kraschar, då kraschade tåg. Och när en mörsare innehåller för lite krut och kulan landar där den inte borde - ja, mörsaren avlossades på riktigt och kulan landade vid Gud precis där. Det finns scener i The General som måste ha filmats dussintals gånger innan fysikens lagar behagade samarbeta så perfekt att det blev rätt. Och mitt i alltihop finns ständigt komikern Keaton, konstant förvånad över allt som händer runt honom. Det är en riktig prestation.

Dessutom har The General en ordentlig handling, om än en som är svår för oss nutidsmänniskor att känna oss in i. Johnnie Gray (Keaton) är tågmaskinist i den amerikanska södern när inbördeskriget bryter ut. Som alla sanna patrioter tänker han förstås slåss och döda för rätten att få ha slavar (ja, jag vet att det var mer komplicerat än så, men ändå: kom igen) men hans yrke anses för viktigt och armén släpper inte in honom.

Det gör att hans flicka Annabelle Lee (Marion Mack) inte vill ha med honom att göra. Inte förrän han bär uniform, säger hon, och Johnnie lomar ledsen därifrån. Ett år senare får han sin chans när hans tåg "The General" stjäls av nordstatsspionen Anderson (Glen Cavender) och dennes tio soldater. Johnnie följer efter till fots, på dressin, cykel och till slut med eget tåg, och sen är det skoj och imponerande action resten av vägen, med en både gullig och rolig avslutningsscen.

Herbie: Fully Loaded (2005) - 2/6

På 60- och 70-talen gjordes några filmer om folkabubblan Herbie, en bil med intelligens och personlighet. Detta är ingen remake utan en fortsättning, långt efteråt, när Herbies glansdagar är bakom honom och han räddas från bilskroten av Maggie Peyton (Lindsay Lohan), yngst i en racingfamilj.

Herbie kan köra själv, spruta olja, sjunka ihop när han är ledsen och sträcka på sig när han är glad, kommunicera med strålkastarna, öppna och stänga sina dörrar och kasta ut en ovälkommen passagerare genom solluckan. Han kan till och med bli kär - i en bil som till att börja med verkar vara en helt vanlig bil - så att det är som om jag skulle kära ner mig i en staty - men som sedan visar sig vara eller ha blivit smart, den också.

Visst har du också frågor om detta? Det kan inte bara vara jag? Jag menar, var kom Herbie ifrån? Jag har vaga minnen av att ha sett någon av de tidigare Herbiefilmerna men tror inte att hans ursprung redogjordes för där heller. Jag antar att det är nån sorts magi och inte ett mycket besynnerligt genombrott inom AI-tekniken, men det är ingen anledning att inte nämna det. Alls. Med en enda stavelse.

Och det räcker inte. Filmen ignorerar också helt hur det kom sig att Herbie gick från att vara berömd racingstjärna till att av allt att döma stå bortglömd i ett skjul bland sina gamla pokaler, och hur det kommer sig att motorpressen inte lägger märke till att det nu är samma bil som dyker upp igen.

I stället fokuserar filmen på Maggie, hennes far Ray (Michael Keaton), hennes mekaniker och kille Kevin (Justin Long), och fejden mot den hejdlöst dryge och arrogante skitstöveln till racerförare Trip Murphy (Matt Dillon, och finns det ett bättre ansikte för att spela en hejdlöst dryg och arrogant skitstövel?), som förlorar en tävling mot Herbie och blir fixerad vid den lilla folkabubblan.

Genrens klichéer bockas av med säker hand; naturligtvis missas inte låtsashindret eller den emotionella klyftan som måste läkas. Och naturligtvis slutar det hela på förutsägbart sätt och det enda jag kommer att minnas av den här filmen är hur jävla tragiskt det är, det som hände Lindsay Lohan. För tio år sen var hon en riktigt bra skådespelerska, på väg upp, och dessutom något så sällsynt som ett hyggligt sunt skönhetsideal, och nu är hon... ingetdera, längre.

National Treasure: Book of Secrets (2007) - 2/6

Det National Treasure: Book of Secrets vill vara är ett glädjefyllt äventyr i stil med Indiana Jones eller The Mummy; en hisnande färd genom orimligheter som man accepterar för stunden bara för att det är så kul. Det lyckas den inte med, till stor del därför att orimligheterna är så satans orimliga att ett flygplanshopp med gummibåt förefaller mondänt i jämförelse.

Huvudpersonen är skattletaren Ben Gates (Nicolas Cage), vars 1800-tals-förfader Thomas (Joel Gretsch) sade sig ha räddat unionen genom att bränna en karta till guldstaden Cibola så att den inte skulle komma i sydstaternas händer. Mitch Wilkinson (Ed Harris) påstår dock annorlunda; enligt honom var Thomas en av konspiratörerna bakom mordet på Abraham Lincoln.

Visst, sen kommer det grejer med guld och hemligheter, men detta är och förblir Bens huvudsakliga motivation: att hans farfars farfars goda namn inte ska släpas i smutsen. Det är väldigt svårt att bry sig, och rentav att föreställa sig att Ben skulle bry sig så mycket som han gör.

Tillsammans med sin far (Jon Voight), sin flickvän (Diane Kruger), sin hackersidekick (Justin Bartha), en FBI-agent (Harvey Keitel) och sedermera även sin mor (Helen Mirren) börjar Ben lösa chiffer, jaga ledtrådar, knäcka gåtor och i största allmänhet leka hjälte.

Actionscenerna kan jag inte klaga på även om de inte förtjänar att fastna i minnet och jag antar att den här filmseriens fans inte är ute efter något annat. Men det fungerar inte för mig, för premissen är bara för satans dum. Här har människor snickrat gåtor och kryptiska ledtrådar för att dölja vägen till en stad som de aldrig vill se funnen. Varför?

Det här är inte den enda filmen som begår det här felet, men frågan är värd att ställa varje gång. Varför skulle de inte bara förstöra alla ledtrådar och nöjda klappa sig på magen? Om de nu tvunget måste lämna ett spår, varför handlar det om gåtor som man måste vara smart och lurig för att lista ut? Ska Cibola vara dold, men bara för dumma människor?

Det hjälper inte att Ben är en gåtknäckare i klass med Adam West och Burt Ward i Batman-TV-serien ("What's tiny and dangerous?" "A sparrow with a machine-gun"); så fort han kommer på en tänkbar lösning, hur långsökt och obskyr den än är, så är det den rätta. Det spelar ingen roll att det finns tusentals andra sätt att tolka gåtorna på, Ben prickar rätt varenda gång. Det är ett satans mirakel, är vad det är.

Det är så den här filmen fungerar: actionscen, orimlig brygga, actionscen, orimlig brygga, set piece och så vidare. Ben Gates blir aldrig en Indy och trots Cages osvikliga förmåga att se ut som om de löjligaste saker är på fullaste allvar kommer han aldrig att bli det.

X-Men: Days of Future Past (2014) - 6/6

Jag gick in beredd på besvikelse, för inte kan X-Men-filmerna fortsätta vara så bra som de har varit hittills? Med undantag för de två Wolverinecentrerade filmerna (det är synd att en av de minst intressanta karaktärerna ständigt får en central plats enbart på upplevd coolhet) så har de varit fantastiska hela vägen. De startade den moderna superhjältefilmvågen och regerar den fortfarande.

Det beror dels på det rika källmaterialet med bottnar och konflikter som går bortom goda superhjältar mot onda superskurkar, men det finns filmer som har gjort mycket sämre ifrån sig med lika rika källor. Framför allt beror det på att folket bakom de här filmerna förstår poängen med superhjältar. Det handlar inte om deras krafter.

Visst, professor X (Patrick Stewart) är telepat, Magneto (Ian McKellen) styr över magnetism, Mystique (Jennifer Lawrence) kan byta utseende, Wolverine (Hugh Jackman) har klor och läker precis allting, Kitty Pryde (Ellen Page) går genom väggar och så vidare, men det är inte det intressanta. Det handlar om människorna med krafterna, vad de känner och tänker, hur de påverkas av dem, hur världen påverkas. Det är inte för att professorn är telepat och Magneto kan slänga runt metall med tanken som vi bryr oss om deras relation.

Och det gör vi. De är vänner som blev fiender och nu har blivit vänner igen, i en framtid där det av Magneto förutspådda kriget mellan mutanter och människor blivit verklighet. Mutantjagande robotar som kallas Sentinels, uppfunna av Bolivar Trask (Peter Dinklage) har mördat oräkneliga mutanter, människor som hjälpt mutanter, och människor som kanske en dag skulle få mutantbarn eller -barnbarn. De få överlevande hankar sig fram i en förstörd, grå och hopplös värld.

Professor X och Magneto, nu återförenade, har spårat katastrofen till en händelse 1973 och har nu en plan. Kitty Pryde, som fått förmågan att föra andra tillbaka i tiden, ska föra tillbaka en av dem i ett försök att ändra historien. Den ende som kan överleva en så lång resa är Wolverine. Han vaknar upp i sin yngre kropp 1973 och börjar leta efter dem vars hjälp han måste ha: de yngre versionerna av professorn och Magneto, nu hatiska fiender.

Redan under de första minuterna bevisar X-Men: Days of Future Past att action är en levande genre. Varför måste vi lida oss igenom dessa tråkiga, repetitiva actionscener när det går att göra så här fantastiska saker? Det är hisnande, visuellt intagande, och lyckligt originellt. När Blink (Fan Bingbing) kastar portaler omkring sig i striden mot Sentinels tackade jag filmgudarna för CGI och förmågan att skapa underverk med den.

Efter den starten hade filmen mig som i en liten ask och det blev inte sämre. Actionscenerna var fortsatt briljanta (jag älskade den där Peter (Evan Peters) rör sig så snabbt att kulor hänger i luften) och bitarna däremellan var deras riktiga raison d'etre, en historia som fängslade. I fruktansvärda sekvenser ser vi Sentinels döda mutanter på brutala sätt, och det känns. Överlevarnas förtvivlan och beslutsamhet är äkta och vibrerande.

Varenda karaktär är förståelig, hjälte som skurk. X-Men: Days of Future Past är en actionfest med känsla och hjärta, en karaktärsstudie med superkrafter, en allegori och en analogi och bara en förbannat bra film.

Om inte annat så är den remarkabel av en helt annan anledning. Peter Dinklage är 1.35 lång; i den här filmen spelar han en karaktär som i serietidningarna var normallång, och hans längd berörs inte med ett ord. Tydligen tyckte de bara att han var rätt skådespelare för rollen. Det är synd att det är fantastiskt, men fantastiskt är det.

The Life and Death of Peter Sellers (2004) - 5/6

Peter Sellers var en fascinerande man, ett skådespelargeni med trasigt privatliv och utrotad identitet. Han sa att det inte fanns en riktig Peter Sellers, att om han fick uppdraget att spela sig själv skulle han inte veta hur. När han inte spelade, existerade han inte.

Det gör honom förstås också till ett knepigt föremål för en filmisk biografi, och det är fantastiskt att The Life and Death of Peter Sellers lyckas så här bra. Mycket av förtjänsten tillhör Geoffrey Rush i titelrollen; han hittar tonen som säger "Sellers" bättre än Sellers själv någonsin kunde. Jag blev inte förvånad när jag fick veta att det var en drömroll för honom; att spela mannen som kunde spela allt utom sig själv måste vara ett fantastiskt projekt för en skådespelare som Rush.

Filmen följer Sellers liv och karriär från starten på radio via en intervju där han fick veta att hans ansikte inte passade i visuella medier till framgång i TV och på film. Vi ser honom gå fram och tillbaka mellan drama och komedi, vi ser hans äktenskap (bland annat med Britt Ekland (Charlize Theron)), samarbetet med Blake Edwards (John Lithgow) och naturligtvis förhållandet till modern (Miriam Margolyes).

Då och då glider filmen in i det surrealistiska när Rush förvandlas till Edwards eller modern eller någon annan viktig människa i Sellers liv, och pratar direkt med kameran som en överjordisk hybrid av Sellers och hans närmaste.

The Life and Death of Peter Sellers påminner i sig om en Sellers-film, där glädjen döljer en melankoli som ständigt ligger under ytan och man anar mer än man faktiskt ser. Jag lämnar den med samma känsla som Being There: att jag sett något annat än det jag sett.

The Purge (2013) - 5/6

Det här var mycket bättre än jag väntade mig. Jag är svag för high concept men van att bli besviken; alldeles för ofta måste enkla idéer spädas ut med onödiga detaljer för att bli en film som kan sälja biobiljetter, och det går hur som helst aldrig att göra en film som är lika ren som sin idé. Man måste ha karaktärer.

Idén i The Purge är denna: I den nära framtidens USA har våldsbrott nästan utraderats genom att man en gång om året, i tolv timmar, tillåter all brottslighet. Polisen och brandkåren slutar jobba, ambulanserna slutar köra. De rika antingen barrikaderar sig bakom förstklassiga säkerhetssystem eller ger sig ut på mördarstråt; de fattiga gömmer sig om de kan och annars är det döda eller dödas.

Tanken bakom detta är den katartiska: mordnatten är en säkerhetsventil som släpper ut alla våldstendenser så att amerikanerna kan vara lugna och snälla resten av året. Det verkar funka, då brott nästan försvunnit och ekonomin blomstrar, enligt vissa därför att de fattiga och improduktiva årligen mördas.

Den katartiska förklaringen har förstås sina uppenbara brister, som jag hoppades att filmen skulle ta upp. Den främsta är väl att de allra flesta våldsbrott inte är planerade utan impulsiva, något som sker i fyllevansinne eller passionerad vrede. 

Dessutom lyckas de allra flesta människor leva utan att släppa ut sin aggression; det är inte den inneboende våldsamheten hos människan - let's face it, mannen - utan ett fåtals själviskhet och dåliga impulskontroll som ställer till det för samhället.

De ämnena går The Purge inte in på, och det blev snabbt rätt tydligt att den inte tänkte göra det. Att den gick in på andra saker, lika viktiga, gör den riktigt bra.

Våra huvudpersoner är den stenrika familjen Sandin. Pappa James (Ethan Hawke) har tjänat ihop deras välstånd genom att sälja ovan nämnda säkerhetssystem. Han bor i ett flådigt hem med sin fru Mary (Lena Headey), truliga dotter Zoey (Adelaide Kane) och morbide son Charlie (Max Burkholder).

Föräldrarna är starka anhängare av The Purge även om de själva inte känner behovet att delta, och deras plan för natten är att stänga in sig bakom sina dyra barriärer och vänta ut de tolv timmarna. Men naturligtvis går något fel, och utanför dörren står ett gäng skitungar ledda av en genuint läskig psykopat (Rhys Wakefield).

Det är väl omöjligt för den här historien att inte degenerera till våld och action, men innan dess hinner The Purge använda sitt koncept för att skapa en förvånansvärt skarp metafor. James och Mary stödjer the Purge och dess bra effekter på andras bekostnad, men de har aldrig behövt hantera den själva, öga mot öga. Den här filmen går oväntat långt, och det är inte svårt att dra paralleller med livet som jag och ni alla lever, varje dag. Vem dör för vår skull och hur skulle vi leva om vi tvingades se det?

Dr. Dolittle (1998) - 2/6

Det låter som öppet mål: en film med Eddie Murphy som en man som kan tala med djuren. Släng in lite bra komiker som ger röster åt söta djur som säger roliga saker, låt Murphy käfta lite, och så blir det åtminstone hyggligt. Men nej, människorna bakom Dr. Dolittle lyckas sätta den i stolpen och det blir bara trist.

Redan som liten kan John Dolittle (då Raymond Matthew Mason och Dari Gerard Smith, senare Murphy) tala med djuren. Det ställer dock till besvär i hans umgänge med andra människor, så han gör en Tommy, förtränger sin gåva och växer upp till en välanpassad läkare med fru (Kristen Wilson) och två döttrar (Raven-Symoné och Kyla Pratt). I ett undermedvetet försök att förflytta sig så långt från gåvan som möjligt har han dessutom blivit djurhatare.

Efter att ha råkat köra på en hund slår han huvudet i vindrutan och hör plötsligt hunden tala med Norm MacDonalds röst. Nu hör han även dotterns marsvin Rodney (Chris Rock), en uggla (Jenna Elfman), och det tar aldrig slut. Ryktet sprider sig bland djuren: en människa som förstår oss. Varenda djur har något att be John om.

Det borde ha fungerat, kanske inte som något lysande men åtminstone som en småskojig komedi. Men det här utspelade sig under Eddie Murphys råsugiga period (som facktermen lyder) och inte ens Rock, som borde ha fått vara fantastisk som ett snabbkäftat marsvin, får briljera.

Get Lamp (2010) - 4/6

Säger ordet "xyzzy" dig något? Då är du en del av det som Get Lamp försöker beskriva, en snabbt uppflammande och snabbt utdöd - men kanske inte helt! - genre som kallas för textäventyr eller, hellre, interaktiv fiktion. Innan grafiken tog över kunde man spela datorspel genom att prata med datorn, ge kommandon i något som såg ut som engelska och få svar på samma sätt. På sin tid var det revolutionerande.

Det första var Adventure, även känt som Colossal Cave, och som de flesta framgångsrika pionjärer slog det fast seder som textäventyr skulle följa. Sättet spelet uttryckte sig på, de små referenserna, labyrinterna, fantasyelementen och problemlösningen, allt skapades av Adventure.

Många skulle följa, bland dem legender som Zork och Leather Goddesses of Phobos. Men i början på nittiotalet gick luften ur genren, branschens jättar som Infocom gick under, och nu lever den bara bland entusiaster på nätet. Och i minnen på såna som jag, som tillbringade timmar framför Stugan och aldrig hittade rätt.

Get Lamp skapar genom intervjuer med åttio spelare och samlare, forskare och teoretiker, synskadade och speldesigners, legender som Steve Meretzky och Scott Adams, en bild av den här lilla världen som bara krymper. En del hoppas på en renässans, andra tror att den kommersiella armen av genren är död, och en minnesvärd monolog hävdar att text alltid kommer att vara överlägsen grafiken.

Samtidigt anstränger sig filmen för att vara en visuell version av sitt eget ämne, med de ständiga små detaljerna och referenserna, särskilt den ikoniska lyktan som gång på gång dyker upp i bakgrunden. Jag tror att Get Lamp kräver åtminstone någon bekantskap med textspelen för att vara riktigt underhållande.

Men inte ens då blir den riktigt bra. Den är alldeles för fragmentarisk och upphackad, med episoder om vitt skilda ämnen som inte verkar höra hemma i samma film. Å ena sidan pratar den om de ekonomiska förhållandena runt att sälja interaktiv fiktion, å andra sidan om labyrinter. Den kastar sig fram och tillbaka och även om varje enskild intervjuad har något bra att säga så försvinner det alltför ofta i strukturen. Ett massivt plus, dock, för att den inte räknar med att vi känner igen alla åttio utan alltid har namn och titel på plats. Alldeles för många dokumentärer glömmer den lilla artigheten.

Indie Game: The Movie (2012) - 5/6

I en värld där de stora spelen skapas av tusen programmerare som jobbar i fem år finns det fortfarande plats för små personliga projekt, skapade utan finansiellt stöd av entusiaster som alla hoppas på framgång men inte skulle göra det de gjorde om det bara var därför. En av de stora förebilderna är Jonathan Blows Braid som vid första anblicken verkar vara en total ripoff av Super Mario Bros men har unika mekaniker som gjorde spelet till en succé och bekvämt försörjde Blow själv.

Dokumentärfilmarna Lisanne Pajot och James Swirsky har intervjuat Blow, bland annat om dennes ofrivillige online-image som enligt honom själv skiljer sig markant från den han är, och några andra som försökt lyckas med samma sak som han. Edmund McMillen och Tommy Refenes arbetade med Super Meat Boy medan Phil Fish la ner åratal på sitt Fez, båda plattformspel med twistar.

Pajot och Swirsky är uppenbart skickliga filmskapare som jag vill se mer av. De skapar en känslomässig tyngd i det vi ser och hör, så att vi vill att det ska gå fantastiskt för deras intervjuobjekt och deras spel. Varje spelskapare är ett original, unik på sitt sätt, och vi får känslan av att det är essentiellt för spelen - skaparna måste lägga ner en bit av sig själva i dem. McMillen och Refenes försöker återskapa sin barndoms spel, och Fish gör något liknande när han försöker hitta tillbaka till känslan som fanns före internet, när det gick rykten om påskägg och gömslen i datorspelen.

Deras problem - Refenes känner sig motarbetad av Microsoft, Fish har en expartner som vägrar skriva på det slutgiltiga avtalet - hamras ut framför oss tills de känns som våra problem. Fish kommer till en gigantisk spelmässa och kan inte visa upp sitt spel om inte avtalet är påskrivet - "fuck that guy". Samtidigt skjuts releasedatum upp och spel omdesignas; McMillen och Refenes verkar vara en tryggare investering än Fish men ingenting är säkert.

De här människorna - Blow, McMillen, Refenes och Fish - är på sina sätt idealister, men de har sina fel. McMillen är kanske den sundaste medan Blow kan se fantastiska framgångar för sitt spel och ändå bli ledsen för att ingen fattar det. Refenes verkar knappt kunna njuta när saker går hans väg och Fish blir direkt aggressiv - om än med goda skäl.

Indie Game: The Movie är en mycket skickligt gjord liten dokumentär som effektivt bygger upp sin stämning och sin signifikans. Om man har allra minsta intresse av datorspel bör man se den, och jag tror de flesta andra får ut något av den också. En bra historia om människor som kämpar för sina drömmar går hem överallt.

Zulu (2013) - 4/6

Tre sydafrikanska poliser - arbetsnarkomanen Ali Sokhela (Forest Whitaker), raggarkungen Brian Epkeen (Orlando Bloom) och den jämförelsevis normale Dan Fletcher (Conrad Kemp) - undersöker mordet på en ung kvinna. De växlar skickligt polisarbete med att hamna i vilda eldstrider med välbeväpnat motstånd medan fler mord inträffar och ledtrådar för dem till ett större sammanhang.

Samtidigt lär vi känna deras privatliv, med Sokhelas gamla mor, Fletchers fru och Epkeens exfru med ny karl, och deras respektive bakgrundshistorier avhandlas. Det hela utmynnar i en spektakulär actionsekvens där alla problem löses genom tillämpning av våld.

Nej, det är inte mycket nytt. Zulu försöker särskilja sig från massan av liknande filmer genom att utspelas i Sydafrika, ha en svart och en vit huvudrollsinnehavare, och spegla deras nutida situationer med vad som hände på apartheidtiden - Sokhela har minnen av att angripas av vita poliser och Epkeens far var en stor man inom det vita etablissemanget.

Tack vare duktiga skådespelare (vart har förresten resten av Forest Whitaker tagit vägen?) fungerar det hyggligt, men Zulu har bara inte tillräckligt för att lyfta. I slutändan är den en tillfälligt underhållande actionthriller, inget man ångrar att man såg men inget man minns heller.

Smokin' Aces 2: Assassins' Ball (2010) - 2/6

Walter Weed (Tom Berenger) är en medelålders rullstolsbunden man som jobbat hela sitt liv bakom ett skrivbord på FBI. Till sin och byråns stora förvåning dyker det plötsligt upp ett mordkontrakt på honom; den som dödar honom 03.00 den 19 april får en dollarteckenförsedd säck. Vad den formidabelt ointressante Weed kan ha gjort för att förtjäna detta är helt oklart, särskilt för honom själv.

FBI tar hur som helst hotet på allvar och fördelar ett gäng agenter till att skydda Weed tills den ödestyngda tidpunkten är över. Han placeras i ett hemligt rum under en FBI-kontrollerad bar och agenter placeras ut runt omkring - ett gäng krypskyttar, en i luffarklädsel, och så vidare.

Under tiden kontaktas ett brokigt gäng lönnmördare: den förföriska förgifterskan Ariella Martinez (Martha Higareda), hjärnkirurgientusiasten Finbar McTeague (Vinnie Jones), förklädnadsexperten Lazlo Soot (Tommy Flanagan) och den skjutglada familjen Tremor (Autumn Reeser, Maury Sterling, Michael Parks, C. Ernst Harth) som för tankarna till familjen från Devil's Rejects. Allihop vill radera ut Weed och inkassera belöningen.

Mördarna hittar remarkabelt lätt till baren, och sen är det eldstrid och actionscener av ett slag som får en att undra hur en enda av de där mördarna lyckats överleva mer än tre uppdrag. Vår synvinkel växlar fram och tillbaka mellan Weeds samtal med agent Baker (Clayne Crawford) nere i bunkern, agenterna i baren, och mördarna som smider sina planer. Under tiden försöker filmen bygga upp mysteriet runt den skugglike Hal Leuco, som utfäste belöningen på Weeds huvud.

Det blir aldrig intressant. Visst, mördarna är underhållande freaks, men mycket mer i sina presentationsscener än senare, och agenterna är rätt platta goodguys. Weed själv är antingen astrist eller förrädare, det finns bara de två möjligheterna. Och när filmen försöker klämma till en twist och sen en till och sen en till så känns det som om den försöker för mycket med för lite.

Detta är en prequel till Smokin' Aces, som jag inte sett, men en enig kritikerkår hävdar att den här filmen är en kopia av sin föregångare. I så fall blir jag inte sugen på att se den. Den enda fördelen Smokin' Aces 2: Assassin's Ball har att spela med är sina mördarkaraktärer, och de används inte till nåt efter att de presenterats.

The Holiday (2006) - 5/6

Ibland funkar formler. Ibland gör förutsägbarhet ingenting, och särskilt inte om det ändå finns någon överraskning på vägen. Ibland räcker det med värme och humor, charm och mysfaktor, att det går bra för dem vi tycker om och dåligt för dem vi avskyr. Ibland tar sig en på ytan helt vanlig romantisk komedi upp ur genrens djup och blir något fint. Ibland blir det The Holiday.

Den kretsar runt Amanda (Cameron Diaz) och Iris (Kate Winslet), som på sätt och vis är väldigt olika. Amanda är amerikanska och hejdlöst framgångsrik egen företagare som bor i ett gigantiskt lyxhus och har hushållerska, trädgårdsmästare och assistent. Iris är engelska, skriver en societetsspalt och bor i en liten stuga i Surrey.

Men de har också mycket gemensamt. Amanda har precis kastat ut sin otrogne pojkvän Ethan (Edward Burns) och Iris trånar på avstånd efter sin gamla flamma Jasper (Rufus Sewell); deras förhållande tog slut när han var otrogen. I desperation inför en stundande ensam julhelg så försöker Amanda hitta ett hus att hyra nånstans långt bort, och det slutar med att hon och Iris byter hus med varandra i två veckor.

Vi följer deras två historier sida vid sida tills de flätas samman i slutet. I England får Amanda träffa Iris bror Graham (Jude Law); i USA bekantar sig Iris med den gamle manusförfattaren Arthur (Eli Wallach) och Amandas vän Miles (Jack Black). Det blir snabbt lätt att räkna ut vad som kommer att hända, med något litet undantag, men det gör ingenting. Det är roligt och varmt nog att jag vill fortsätta titta, inte för att få veta hur det går utan att få se det.

Det riktigt stora felet med The Holiday är att Kate Winslet på något sätt ännu en gång lyckats få rollen som alldaglig och ratad, ungefär som i Little Children, en så kraftig diskrepans mot verkligheten att det var skumt när det hände en gång. Visst, Hollywoodutseende är inte samma sak som verkligt utseende, men det är riktigt illa när Kate Winslet betraktas som Hollywoodful.